美术素描教学反思

美术素描教学反思（精选8篇）

美术素描教学反思 第1篇

初中美术中素描教学的课堂感悟

作为一种单色绘画，素描既是一种独立的艺术门类，又是画家用来训练造型能力的手段,常见的素描教学它包含了准确描绘能力的训练，结构分析能力的训练及明暗与线条表现能力的训练。多年来，在初中素描教学中我探索出一条较为实用的方法，认为素描教学应从以下几个方面着手：

一、培养学生学习素描的兴趣

在初中素描教学中，要掌握学生的实际情况，才能因材施教，对症下药。在摸清学生不同的接受能力和认识能力的同时，也要摸清学生不同的造型能力和表现能力。如：有的学生接受能力强，并且素描基础扎实，就要适当地给他们提供一些高层次的教学目标，让其完成，并且希望他们在素描创作方面有所发展。对于初学者，就需要从他们常见的、喜爱的、比较简单的物象着手，这样才能真正培养学生学习素描的兴趣，使他们爱学、乐学。培养学生的兴趣，还应提倡多种评价方式，让学生在激励中认为自己在进步，从而有效地延续了学生的学习兴趣。

二、提高学生学习素描的能力

﹙1﹚观察能力的训练

观察能力对于准确把握物象造型至关重要。对于物体的形象、结构、动态、及神情都要从整体到局部然后回到整体效果的方式进行观察，在观察的过程当中当然也需要对其它知识进行拓展。如：结构特征的把握、透视关系的应用、构图方式的处理等。

﹙2﹚分析能力的训练

在素描教学中，要强调结构的分析能力。作为结构包括两个方面：一是自然物象的内部构造；二是艺术效果的呈现状态。德加曾经说过：“素描画的不是形体，而是对形体的观察。”这里的观察是带有理性和分析性的。比如，常见的水杯的形体是由柱体、锥体等几何形体构 成的，这些几何形体都有与它相对应的透视关系、比例关系、动态关系和空间关系。因此，用几何形体来揭示形体的内部构造是为了让学生更准确的把握对物体形象的认识，才能准确的描绘物象的形态。

﹙3﹚表现能力的训练

表现能力的训练是强调在把握物象透视比例及结构特征空间转换的基础上，对物体进行具体、深刻、准确地表现与描绘。它包括线条的运用表现、明暗关系的表现及形态关系的表现。

线条的运用表现在对物象进行结构分析的素描中，线条几乎起着主导作用。线条是素描的最基础最根本的形式，我用线条作为一种手段表示形态的体积、空间位置及结构特征，并把物质世界的表象转变为画面，同时线也是抒情的、达意的，传递着超越物质现实范围的质的信息而且以线来确定对象的结构，具有迅速、概括、强烈、肯定的优点。所以，我们在教学当中还是要强调对线的表现和运用，利用线的特性：刚柔、虚实、长短、疏密来塑造形体。且在素描训练中还需要反复训练学生的手感。如：表达线的轻重、缓急及力度等，使学生的手、心与表达的线融为一体来描绘物象，最终使描绘的物象达到准确、深刻具有表现力的艺术效果。

②明暗的运用表现

在素描教学当中，学生既可以把握技巧方面的知识。如：排线、明暗处理、层次细化光线的强弱等；也可以利用暗色调的沉郁、亮色调的明快，强烈对比的激动人心，层次变化柔和的抒情效果，来表现出自己的心境。比如，达芬奇、米开朗基罗、荷尔拜因等人的作品 就充分的说明了这一点。

③形态的运用表现

a动势强化：雕塑家罗丹说：“我很少表现完全的静止，我常用肌肉的跳动来传达内在的感情，甚至连胸像，我也常常做得斜一点，带一点表现，来加强相貌的意义。”因此，在素描教学中可以让学生在描绘对象时强化动势，以增强作品的表现力。

b形态的变形夸张：幼儿的作品和许多大师的作品中常常也体现出一种变形夸张的成份，但这些作品更多呈现出一种生命的旋律及自然天成的因素。因此，我们的学生应该适当的把握自己的情感，通过自己的意愿来夸张变形物象的形态，传达自己对物象的真情实感。(4)创造能力的训练

首先，在素描教学中要让学生欣赏多种风格迥异的优秀素描作品开拓他们的眼界提高他们的鉴赏能力和审美能力。并引导他们去分析和探究优秀作品的审美情趣。以待激发学生创作的动机。其次，要深入生活，收集素材，为创作提供有价值的信息。再次，应树立开放性观念，以美学理论作为指导，创作出具有自己个性的作品。

三、在素描教学中总结得失，提高学生的审美能力。学生习作完成后要及时总结评价学生的“得”。即学生习作的成功之处需多表扬激励，对表现力强的学生可多提供一些场景来加强训练，并让他们充分发挥自我潜能。同时，还要抓住“失”。如：线条表现方面的不足明暗调处理的不协调；整体结构把握的不准确；创作构想的不得体等。对这些方面，教师应及时给予学生针对性的点评，以便让学生更好的完善自己的作品，从而提高自己的素描水准。

美术素描教学反思 第2篇

一、明暗色调的训练

首先进行有单纯灯光或自然光源的一组静物训练，设计要求明暗效果，要求学生完全用明暗色调去描绘对象，只充分展示明暗的美感。第二步画一组不同固有色且形状、面积不同的静物，只要求学生将各色彩之面变为明暗配置，以使学生取得对调子配置和典型形态的明确概念。第三步画一组有明暗效果的静物或模特，要求学生作局部或全部的明暗转换练习，以扩展学生对于明暗对比的认识方式并自由运用。

明暗对比是描绘光、阴影和立体的最理想的手段。但传统的写实素描，明暗关系比较被动地依从自然物象，虽然光束射在一个物体上产生了高光、中间色调、深色调、阴影、反射光，但是现代艺术的概念使得它变得同以往有所不同，我们现在用明暗来实现我们的全部愿望，而非单纯地描绘“真实”―― 明暗之间的对比是造型构成中最富有表现力的重要方法，发展学生自由地使用明暗对比进行画面的空间构成和平面构成的能力是十分必要的，在这里明暗实际上是黑白灰依据结构关系进行量的使用。第三步的练习就在于此;在第一步的练习中，明暗将不是一种累赘，而是一种表现因素，一种审美知觉;第二步的练习训练学生不同程度的明暗调子与形的区域关系并明确清晰地以一种二次元状态表现。

在结构素描中，上述训练将不适用，因为把形的起伏看成是色的深浅，将妨碍对形的结构本质的研究。

明暗色调训练涉及到对光的研究，光线可以充分发挥作用，如同我们在伦勃朗的画里看到的那种随意使照射手段改变的效果，在印象派的作品里，光线来自被描绘物的内部，物体的最终形象是由其形状和光线相互作用而成，具有很大偶然性，不同条件的照射作用，使物体呈现不同形态，这种不确定性也成为艺术表现的主题。在现代绘画里，阴影不再是由光线操纵，而是画面、人、事物本身构造的一部分，有独立的形象及含义，如勃拉克画里的阴影“形象”。

现在我们不仅仅把明暗色调同光和阴影联系起来，只是“真实”地再现客观物象，而是更积极地运用明暗来组织画面并赋予它活力，使明暗运用有更大的创造性，来达到我们更直接的目的。在研究明暗对比、配置法则及色调表现的素描教学中，命题的创作性素描是十分有益的训练，学生的性格情绪决定了他是明晰而有秩序地运用明暗法，还是单纯地从视觉感受来描绘光与影，或是把它作为一种高度敏感的表现语言，教师应当在具体教学中加以观察并引导。

二、肌理(纹理)、材料质感的训练

第一步是画一组肌理质感有明显区别的物体如皮毛、粗石、木头断裂面等，要求学生不择手段地表现对肌理质感的感受。第二步进行人造物、植物、自然生活局部(微观)与整体的自然肌理、纹理效果的刻画。第三步画一组静物，外轮廓写生，然后给予完全相异的肌理质感或肌理互换，以探索肌理的表现与形的关系。第四步，利用写生――默写、触摸――默写的方式，作印象和想象力之中的形与肌理质感关系的素描。

艺术家对现实的也对暗示的肌理的关注，在视觉艺术上一直产生重大影响。在写实素描中，对模仿一个有肌理的物体、形态和表面的真实幻觉而对媒介作巧妙的处理。现代艺术中，肌理质感的运用更加广泛与纯粹，成为重要的绘画与造型手段。在素描教学中，关于肌理质感的训练将促使学生从触觉质感、抽象纹理的角度去看周围的世界，从具象中提取抽象的形式因素，再通过素描手段加以解释。现在发展于肌理的研究，在于扩大学生观察客观世界的思维角度，无论客观还是微观的自然现象都向人们提供了这方面表现的可能。对比要素同肌理形式结合起来应用，是肌理训练的基本法则。

肌理的形态和描绘工具性能有很大关系。应当鼓励学生尝试各种描绘工具的兴趣，不同系别专业的学生在训练中会显示出不同的趋向。在素描教学中发展对材料语言的敏锐感受，在提高技能表现的同时，同样达到审美意识的培养，以期在创作中把肌理作为出色的设计要素。

三、透视的训练

第一步画一组明显高与水平线的静物(或者相反)，要求学生利用透视表现在极大透视状态下的空间形体立体感。第二步画视平线上或下的模特，要求学生必须在仰视或俯视的角度下，尝试寻找并描绘因透视原因而形成的特异造型，激发学生写生时多方位的观察模特的造型意识。第三步，在一幅素描里作各种透视的局部，带创作性的结合成整体，也可通过不断移动视点写生完成。

虽然透视知识对学生而言是枯燥的，但在空间造型中却极为重要。透视造成的结构的点在二维平面上的位置决定了形的立体，要准确描绘它，就必须懂得透视。

但是在表现性素描里，透视则可能是一种束缚。在现代一些素描里，离开透视，仍然可以造出联想的画面空间与立体，依靠材料、肌理、面积等的对比也可以造成联想的空间与立体效果。

然而，更有意义的是透视的主动运用。强烈的.透视效果可以使物体扭曲变形，产生戏剧般的造型效果，比如摩尔的《防空地道透视》。当然透视法不是被用于刻板地再现空间，而是被用于表现某种特殊意义的时候，透视法可以被自由地加以运用。契里柯就是为了情绪上的效果而采用透视。

透视知识不应当成为取代视觉想象力的陈规。现代则采取更加广义的透视，正确地改变事物的相互关系，运用色调、肌理、点线面、形状等建立抽象空间的新透视关系。

四、设计与构成的训练

第一步从写生素描中作一系列不同变体，在局限中改变素描的概念，并不断发现与深化艺术的想法。第二步把标有座标网络的照片作不规则风格的复制素描练习，把多张照片的局部利用网格置换复制进一张素描里。第三通过写生作抽象的明暗、线条、形态的节奏、韵律练习。

虽然在一般的写实素描中很大程度上依据基本视觉中的自然关系加以构图和再现形象，但是系统地研究设计与构成，将给素描带来创造性的新貌。

设计与构成知识涉及到画面的闭锁形式，闭锁形式以有机的和无机的两种形式出现，图解是无机形式的一种表现，而结构主义及其派生物则充分利用了无机形式――几何形来进行画面的创造。我们在设计构成里。则主要训练学生画面联接的设计意识，以及新主意、新方法的创造。座标格的利用是一种最基本的方法，在随意扭曲的放大网络中素描，正规网格的照片肖像会自然产生变形效果。局部的扭曲产生趣味中心，由此素描通过这种方法显示运动时间的四维性。上述训练还培养学生创作素描的意识与能力――把自然视觉的组合变为一种超视觉的组合。外形比例、稳定、对称、均衡、对比、和谐等法则被用于画面设计与构成。

素描构成训练，通过写生与创作结合是比较理想的方式，比如依据写生对象的外轮廓，过渡到比较自由的构图，然后有意识地安排画面色调，建立画面结构。还可各取静物的一部分，相互穿插，重组画面，感受来自对象，在重建的画面中保持这种感受十分重要。

构成形态体现为理性的与感性的两种，学生个性决定了对构成形态的选择。

谈初中美术素描教学 第3篇

一、素描教学中存在的问题

素描教学是初中绘画教学重要的组成部分, 但是当前我国初中的美术素描教学仍然存在较多的问题, 主要表现在以下3个方面。

1. 课程内容较为死板。

初中素描教学的主要目的在于为学生奠定一定的美术基础, 为培养美术人才做准备。但是很多教师却没有真正认识到初中素描教学的重要性, 对素描的概念也模糊不清。在课程的安排上存在较大的局限性, 教学内容千篇一律, 没有根据学生的特点进行设置。在初中的素描教学中, 教师所安排的素描教学内容基本上都是一些规则的集合体, 或者是一些石膏人、石膏像之类, 上课方式大多都是让学生以模仿为主, 丝毫没有发挥学生充分的想象力。

2. 教学观念较为落后。

思想是行动的重要指导, 因此, 只有具有正确的教学理念才能上好课, 只有教学理念能够跟上时代的步伐, 才会用现代化的教学方式和教学模式进行教学。受传统应试教育的影响, 我国初中素描教学方式一直都没有跳越过去的思维框框, 都是以教师先画, 然后在画的过程中进行技巧的讲解等, 且总是追求细节上的相似性, 这样一来, 反而限制了学生的思维, 学生的想象力无法得到发挥, 变成了模仿的工具, 失去了创作能力。

3. 学生的潜质没有得到发掘。

任何学科的老师所起到的作用都应该是引导作用, 美术素描教学也一样。在初中阶段, 学生的美术思维可以说正处于一个待开发的阶段, 可塑性较强, 存在较大的潜力。但是受应试教育的影响, 很多美术老师认为美术教学不是初中教学的重点, 因此在素描教学中, 总是应付了事, 很少能够根据学生的思维特点建立一套完整的素描教学体系来对学生进行素描训练, 发掘学生的美术潜质。

二、解决素描教学问题的策略

初中阶段是学生思维比较活跃的阶段, 初中美术素描教学的主要目的在于使学生掌握基础的素描技巧, 培养学生具有细致的观察力, 因而美术素描教学应注意以下3个方面。

1. 要使学生树立整体与局部结合的观察意识。

初中素描教学所教授的都是一些基础性的知识和技能, 但是一定不能忘记对学生思维的培养。整体的观察方法是素描中最重要的方法之一, 因为观察是作画的重要环节之一, 观察能力的大小将有可能直接影响作品的质量。但是, 还是不能放弃局部的方法, 教师应该不断指导学生在整体观察的基础上进行细致的观察, 要细致地了解构图、形体、比例和结构各方面之间的关系, 由此学生的素描技能以及素描的综合素质才能不断得到提高。

2. 注意学生素描方向的引导。

素描主要训练的是学生的基本的绘画技能, 在素描教学当中, 教师应该正确引导学生素描的方向, 主要应该处理好素描过程中图画明暗关系的对比、形体和结构之间的关系、图形的比例关系、图形的空间几何关系以及线线组合关系, 等等。对于明暗关系的把握, 主要应该把握的就是黑、白、灰三种颜色之间的关系、近远的虚实关系、物体投影与物体本身之间的关系。而在图形形体结构的处理上则主要应该把握形体与结构的不同。一般而言, 形体主要是指物体的外部形状, 而结构则主要是物体的局部构造关系。而在图形的比例关系上所要掌握的就是外形大小的比例、颜色深浅的比例情况, 等等。空间关系是一个比较难理解的概念, 它不仅仅包括物体本身的各个面之间的空间关系, 同时也还包括物体与周围事物之间的空间关系。至于线条的组合关系则比较好把握, 线条的组合是构成平面图形的重要基础, 通过一定量的积累, 学生很容易学会。

3. 注意培养学生的发散思维。

谈美术素描教学 第4篇

素描教学,自五六十年代以来就以苏式教程为主体的素描教学方式,并沿用至今。这种教学以长期作业为主,要求学生在画面中表现出体积空间、形体结构、人物特征、情绪气氛等各种客观现实,这就是我们常说的全因素素描。难满足新时代的学生对艺术基础训练之需和他们强烈的求知欲。尽管现在的教学已由过去“苏派”一统天下的局面,发展为连同“法派”、“德派”等在内的多种风格并举的艺术形式。但是,就其本质来看,还有很大的革新与发展空间。我认为,在教学活动中,只给学生讲述结构、明暗、虚实、比例等这些早已烂熟了的东西,与其说是让学生描绘对象,不如说更多的是在描绘既定的“经验”和“规律”。这种素描教学虽易于接受,易于检查,但却局限了学生主体性的介入,缺少了对真实的追问,说到底是一种停滞在纯技术的层面上,很容易逐渐走向刻板、僵化,其画面形象虽然比例准确、结构严谨、色调层次变化也不无微妙之处,但不无死气沉沉、缺乏生气之嫌。

技巧与样式是手段,而不是目的。对技巧和样式的学习和创新当然比较容易在形式上取得一定的效果,但是真正打动观众心灵的因素,终究是内在的精神,即艺术家对生活的深切感受和他所表现的思想情感。那么,它就不应有固定的模式,每个人眼中都有可信的,属于自己审美情趣的东西,就都能表现出作画者所感受到的素描对象那么生动,和谐,以及含乎规律的美。比如都画人体,米开朗琪罗、鲁本斯、梵高几位的作品每一处转折,每一根线条都是那样生动、内涵丰富。它们虽风格各异,却都能给人们带来舒畅的感觉。所以,素描教学应当鼓励学生发挥个人的思维才智和创造力,培养和树立其自身感受的信念和信心。

现代素描教学应融入现代的教学方式和教学体验,从课题设置的确定,到教学目的的实施,都应有意识的渗透现代美学思想和价值取向,尊重个性,建立师生间的相互包容和默契,提倡创造性思维,拓展素描的宽泛性。要把造型的普遍规律纳入艺术规律的个性表现中,使艺术个性自然的渗透到画面中,以昭示绘画者个人的审美精神和创造内涵。我想,倘若做到了这些,就将使我们的教学在原有的基础上,获得新的生机和活力。

怎样做好美术素描基础教学 第5篇

在现代美术教学中，素描作为造型艺术的基础，越来越受到人们的重视。而在现阶段本校美术特长生的学习过程中，素描更加是基础中的基础。那如何让学生在较短的时间内学好素描，完成本阶段的学习任务，主要可以从两个方面来做，一是教师自身应具备良好的专业技能，二是应有科学的教学方法，是技法和理论有机地融合在一起，以达到效果的最大化。

一、素描教学是基础教学，应以培养学生掌握好基础知识和技能为目的。

不管什么风格的基础素描，基本要求都是一致的，只是对素描造型的要素各有不同的侧重点而已。我认为在基础素描教学中应本着现实主义的原则，要求用写实的手法表现对物象的真实感受。作品应以客观物象为依据，在教师的指导下，让学生根据对物象的认识和感受，艺术地表现一定环境与光影下的具体物象。学生的主观感受应依据客观物象并受制于客观物象，所谓“艺术地表现”是指概括、取舍、加强、减弱等艺术处理。

素描教学训练要以培养学生对物象的认识能力、观察能力、表现能力和审美能力为目的，即要达到基础训练所具备的各项要求，掌握好基础知识和技能。同时，又应指导学生以客观物象为依据，表现物象的真实，以写实的手法表现对物象的真实感受。回顾多年来素描基础教学的探索，从以前苏联式的单一的客观写实，到现在的写实与表现并重，具象与抽象共存的相对多元的格局。但是作为高中美术的素描基础教学，我们还是应以写实的手法为主。

我不主张在素描基础练习上，采用变形的手法，在打基础的阶段，“变形”容易养成主观随意的习惯。但是并不因此反对有些素描对物象的结果进行一定程度的强调乃至合理的夸张。在教学过程中，教师的指导作用是主要的，但学生的主观感受在素描作品的表现力方面也具有非常重要的作用。主观感受是来源于客观物象的，关键是教师要正确引导学生学会正确地观察物象和处理画面。

“有一千个读者，就有一千个哈姆雷特”，学生的素描也是一样的，每个人的主观感受都有所不同。教师要做到的是授人以渔，而不是授人以鱼。

二、在素描基础教学上应抓住两个主要环节，保证学生不脱离严格训练的轨道。

这两个环节是：轮廓准确和注意整体。要求轮廓准确是克服造型似是而非的主要办法，造型似是而非是初学者最普遍的毛病。要求轮廓准确，可以培养学生在学习上严格的作风和求实的态度。这里所说的轮廓准确并不是说要在素描的第一阶段就细抠轮廓。我认为第一阶段打轮廓时能做到构图恰当，比列准确，要点鲜明，形象明了，就应该是轮廓准确了。素描刚开始的时候，让学生注意大关系、大比例的掌握，做到轮廓准确。在素描训练的过程中，应当要求学生在每一阶段都不断使轮廓更精确，特别是要求学生不要迁就轮廓的错误，那种明知有错而凑合了事的态度是非常有害的。在作画过程中，很多同学都不能做到轮廓的一步到位，所以在其中就要不断地调整所作画物象的大的轮廓关系，不能因为懒或者怕麻烦就敷衍了事。如果在基础训练中老是犯轮廓不准的毛病，就不能获得物象结构的知识，就会造成不善于敏锐准确地表现物象特征的缺陷，这一点是致命的。

注意整体是观察物象和处理画面的一种方法，这个方法掌握得是否恰当直接影响到作品的质量。因此，教师在向学生传授技法时，更要重视引导学生学会正确观察物象的方法，它与学习成绩的优劣和进度的快慢有着直接的联系。

不正确的观察方法，往往是盯住一点而忽略了全局，目的是为了看清楚那个要画的局部，饼不作全面考虑，结果是只见树木不见森林，只看局部的细枝末节而看不到整体的情节气势。作画时对物象的观察分析，不仅是为了认识物象，更重要的是为了表现物象。这就要求学生在开始完成一份素描作业时，要根据对物象的观察和感受，对习作的整体效果有一个设想，就像导演拿到剧本就应该在思想中形成这部戏或这部电影的整体“视像”一样。所以在作画过程中，我对学生的第一个要求就是仔细观察物象，然后确定正确的构图，这个就是培养学生作画从整体出发的习惯。

整体观察是造型艺术的根本法则，它的实质是便于比较。学生能否把所要刻画的物象整个地控制在自己的视域之内，在处理局部时能否考虑到整体，是教师在教学中需要不断提示和强调的重要方面，要让学生养成自觉地进行整体观察的习惯。整体观察也不仅仅是在开始的时候，在过程中，也要不断地观察整体效果，可以将画板放前点人往后站，去观察整体，找出自己的不足。很多同学在拿着画板画画的时候，都感觉很好，刻画的很细致，但是放远了一看就不是那么回事了。就像我们有时候说一个人的五官长的都很好，但是放到一起就看就不是那么协调了。这个和我们画画是一个道理的。

整体——局部——整体，作为习作的整个进程大致是这样的，但在深入描绘各个局部的过程中，又自然地形成了很多小的阶段。应当要求学生在习作的每个阶段都要考虑整体，并为掌握整体而调整整个画面，使每个阶段停下来都是一张形象生动的画，而不是一张未完成作品，这个就是画面的整体性。所以，掌握整体对局部而言，在一定阶段必须把主要精力用于刻画物象的整体性特着，有了具体物象的整体性才有提高的基础。这个是我们基础素描学习中应该学习掌握的一点。

三、本着由浅入深，由表及里，由简到繁，循序渐进的原则进行素描训练。

不仅要有长远的总目标，而且要有分段实现的具体目标和要求。在不断循序渐进和适当重复的过程中，才能牢固掌握造型规律及其有关知识和技能，才能得心应手地表现各种环境下的复杂事物。这就要求教师作为引导者，必须要制定好学生在整个素描学习过程中的计划，明确目标，脚踏实地。

为了打好坚实的基础，习作应以长期作业为主，这样便于领会教师的指导，便于深入理解，反正校正和进行探索。教学上的严格要求也主要体现在长期作业中。教师要向学生说明长期作业的重要性，对各种不良倾向要及时加以纠正。同时，也要布置一些短期作业作为辅助，使写生与构图相结合，记忆、想象和速写相结合，以避免学生在长期作业中容易出现的观察力迟钝以及画面板、腻的缺点。现在我就要求学生经常多画速写，俗话说“拳不离手，曲不离口”，那我们学习美术也应该“笔不离手”，随时抓住日常生活中的点滴和瞬间，锻炼我们的基本技能。

习作的优劣还取决于观察事物的深度和知识面的广度，取决于艺术修养和技术水平的高低。因此，教师对学生的“画外功夫”要正确引导，鼓励学生多掌握一些课外知识，入：文学、美学、历史等方面的知识，使他们多了解不同素描流派产生和发展的过程，以及它们的主张和特点。这样能够使学生扩大知识面，开扩眼界，有助于提高绘画水平。在此过程中，要避免学生课外知识“乱”和“杂”的情况发生。在基础未打好之时，对于那种专门追求风格、流派的做法，教师要使当地加以引导和纠正。要让学生认识到：没有浑厚的基本功作基础，单纯地去追求某些风格、流派的做法是有害无益的。因为学生不仅要具备照着物象摹写的能力，更重要的是要培养自己的理解、记忆和想象能力。这样，才能真正具备全面的造型能力。

四、在教学中，教师应要求学生善始善终。

有的学生开始画的时候积极性很高，新鲜感强，观察力也比较敏锐，但经过一段时间后，观察力多少有些迟钝，不能保持一种清醒和整体的感觉来检查画面的表现效果。有些学生则急于求成，时间一长就有画烦了的感觉。这时，驾驶应及时提醒学生，不要轻易地把调整修改这一步看做是作业结束时的修饰，而应认真对待，感到有不妥当的地方，一定要找出原因，下决心把它修改过来。

调整修改应本着整体的原则，反复分析研究，反复比较，理解形与神的关系。要用第一眼看到物象时那种新鲜强烈的感觉来检查画面效果，找出画面与物象之间的差距，检查物象与物象之间的组织结构、形体比例是否准确，质量、空间关系是否恰当，主次虚实是否有序。这些因素的调整，主要是想通过反复的校对和比较，能够更深入地研究对象和表现对象。

五、在素描训练中，要注意培养学生的表现能力。

分析美术绘画教学之素描 第6篇

平果县第五小学

黄江红

绘画是美术教学的主要形式,在中小学美术中占教学量的一半,其任务是传授绘画基本知识,培养各种绘画技能,发展观察、记忆、想象、形象思维,创造和审美等多种能力。但是绘画门类众多,它们都离不开造型艺术的初级阶段——素描。素描是通往各个造型艺术专业的基础,素描是通往创作的桥梁。素描是学习各门类的起始,学习素描的观察方法、比例透视关系,这些都很关键。

一、观察和感受

观察和感受客观事物不同的特征,大小、形状、方向、位置、色彩、肌理等的能力,发展形象记忆、想象力和创造性的思维能力。学素描,最重要的是学会正确的领悟、推理和最后来到的感觉。素描是视觉的语言,我们是通过绘画形式而进行视觉交流的。素描的基本要领在于学会记录你在生活中看到及感受到的东西,而不是纯粹的手头上的技巧。老师应深刻认识到德拉克罗瓦的名句:作为老师不能只教学生技巧,而是教会学生观察事物的方法和思维,因为艺术不是靠技法,而是靠自己的思想去感悟,去创造。

二、临摹素描经典作品

初学者往往一开始就写生,是有一点难度的。那么找一些经典范画来临摹,就会起到事半功倍的效果。具体就是老师事先准备好临摹的经典素描作品或者图片作为摹本,具体方法如下。

1、可以提供给学生多个摹本,可以让学生选择其中最喜欢的一幅来临摹。这样可以使高中学生快速接受一些绘画方面的知识和基本方法。

2、可以选择一些不同画法、不同风格和不同内容的作品临摹。如结构素描,光影素描,景物素描,人像素描等等。

3、老师事先明确临摹作业的目标,例如是构图,结构,色调……而且不要求学生临摹得绝对酷似,而应注意学生的主动性,最好能调动起学生的主动性。

4、经典。摹本应选择一流的名家名作,优美的西方素描经典画作。名作在构图、造型、用笔和表现力等方面所具备的艺术感染力是不可替代的。

三、素描的造型

素描的造型是各种绘画都包括的最基本的规律,学生掌握了这一基本的基础,就能触类旁通地理解各种绘画的形式规律。

1、线。

自然界的线与作品中的线,粗线与细线,长线与短线,实线与虚线,粗糙线与华丽线……

2、形。形是具有长宽的二维空间形象。自然界有各种个样的形如方形,矩形,三角形,圆形……

3、体。绘画中的体是建立在艺术想象基础上的三维空间。既长、宽、高。如长方体、圆锥体、球体……

这些简单的几何形体贯穿于自然界一切复杂的物体。因此,在素描教学中,从简单几何体开始,在静态中研究形体与局部之间的组合关系,理解线的变化及体的变化、方法及步骤,对于初学这具有非常重要的意义。

四、构图

一幅好的作品首先在构图上就要做到位。如果将物体组织在一起,使它们放在一起给人一种愉悦的审美享受,这样的构图才能给作品增色不少。首先,在构图时应用软一些的铅笔轻轻地定出整组物体的长宽,注意整组物体在画面上的上下左右的位置。然后把你看到的物体再简化成基本形,或者把整组物体的中心点确定了,向四周发散的打开各个形大概的位置,做到眼中自始至终都要有两把无形的尺子,一把水平方向的长尺,一把垂直方向的长尺。看某一位置的点时,顺着这一点上下长出无形的垂直水平的尺子,顺着尺子经过的位置观察物体与物体之间正确的位置关系。其次,从广泛的意义说,构图是对线条、形状、明暗、质感、样式和色彩等的挑选和组织。体现出匀称和谐、节奏、重复、变化等原则。在一组物体前多角度构图,正侧面、俯视、平视、多角度训练才能真正掌握构图法则。

五、明暗

用明暗表现形体立体感是画家常用的方法。明暗色调变化体现在画面上就是平常说的三大面、五大调。

三大面是指物体在空间中存在的高度、宽度、深度的三维空间,在光照的条件下形成黑白灰三个大的面积区域。正所谓三面见体。五大调是指受光面、背光面、明暗交界线、中间调子、高光、反光与投影。受光面是物体被光照的一面,这个面是亮面。背光面是光照不到物体的一面,是物体的暗面。明暗交界线,并不是一条简单的线,它的宽窄、明暗、虚实是随着形体结构面的变化而变化的,是最重的面。中间调子,不同层次的灰色调子。介于亮暗面之间。这层调子最复杂,占的面积也最大,调子的丰富变化一层,要认真对待描绘。高光,反光与投影,高光是光源直接照射最亮的部分。粗糙物体高光不明显,光滑物体高光明显。反光是环境反射光的一部分,是物体暗部向纵深度转过去的面。反光统一在暗部面中,一般不要超过受光面调子。投影是物体遮住了光,在背景物上产生的投影。投影的明度以遮光体的大小、光源强弱、投影面积的远近等不同变化。素描是黑白明暗对比的绘画,但不要盲目机械地描摹物体。对比的调子可以多也可以少,要有思想有意识的做,而不是生搬硬套。

浅论美术高考素描教学 第7篇

在绘画类的所有基础学科中，素描是一门最受重视的学科，因为它的简便、容易操作、效果明显、考核能力全面等特征，使得素描在历年来所有美术高考的科目里占分最大，最被考官看中。而艺术类的考生，特别是初学者和“半路出家”的艺术生，更应该注重素描。在我校的艺术教学过程中，我们已经发现素描教学在一定程度上的缺失，在经过几次教研组长带领开展下的总结分析后，我对素描教学这一块领域浮现出几点方案，以供参考。

因为本人毕业于版画系的原因，在素描教学过程中，我吸纳了版画艺术语言中强烈而丰富的艺术表现效果。在版画中任何一种风格都是可以被接纳，但其最富魅力的还是黑白语言，黑色是浓郁、深沉、神秘、厚实，白色是明亮、空灵、纯洁、虚无。在学生要表现的很多素描作业中，无论是结构为主的还是明暗为主的，都与黑白有关。黑和白是对物体光影明暗结构的高度概括，用有限的语言说同样多的东西，犹如电脑语言0和1可以说出所有信息一样。实践和经验证明，美术高考中，一幅色调丰富而强烈的素描作品，往往能拿到高分。由此得出以下几点素描教学中需要注意的方面，这些方面建立在已经解决基本形和结构的基础之上，是绝大部分考生中级突破阶段所要面对的部分解决方案。

1.感性和理性的问题

在三小时一幅画的前一个多小时中多用感性来作画，感性的语言在很多僵硬死板的素描中是找不到的。在以前的求学经历中见过三个上海来的女生，她们画的石膏头像几乎是一模一样，三幅完成后摆在一起竟然没有一个人能认出谁是谁的画。一打听，原来这三个女生来自同一个启蒙老师，那个老师教的方法是完全灌输式的，一笔一划照搬照抄老师，而自己的个性全无。我看到他们一个个“能敲出声音来的石膏头像”，面面俱到，可却是一滩死水般的毫无生气，令人惋惜。而今想到这些，对比我们美术班学生个性非凡的27个学生，27种风格，不禁暗自为他们高兴。一幅按照高考要求的素描，在后期应该是理性为主，在对比修改中用眼睛所能观察到的各个色调层次中归纳分层。在很多情况下，我们大自然的光线会欺骗我们的眼睛，比如在有日光灯和聚光灯同在的教室里，我们的眼睛所能看到的就有两个不同的光源，那么我们该怎么解决不同光源的问题呢？是照搬眼睛所见，设定两个光源？还是无视其中一种？或者主观削弱一种光线的强度？其实这两种方法都可行。艺术的魅力在于人的主观参与，但这么说并不排斥前面考虑两个光源的观点，两个光源下，肯定还是要经过处理的，我们的眼睛也许太过完美，能看到很多很多丰富的细节，但这并不是艺术的全部，这时候，提炼就显得特别重要。

2.工具和材料个性的表达探寻

美术生似乎比普通生更需要生活里的新鲜和刺激，这一点也同样表现在素描语言上。在高中阶段，他们的工具材料选择就显得有些缺失目的性。曾谈及一位初学者为什么要用木炭条来作画，她的回答是：这样速度快。而对木炭的性能和自己的掌控能力却并不了解。木炭是个好东西，可使用起来难度比较高，一个是它过于丰富的调子变化，易画易擦；二是它难以完整保存。但这个材料有个很大的好处，就是概括简练，易出效果，使得学生不会掉到无限的细节描摹里面去，这对初学者很有利。木炭条要和炭笔结合，必要的细节才得以刻画出来。而铅笔的个性是调子丰富，易擦易改，它可以表现细腻的一面，同样用较浓B数的铅笔也可以达到和炭笔类似的效果，但缺点是上明暗的时候需要一层一层上，比较耗时间，对速度比较慢的学生来说是非常不利的。但我们看到很多优秀的素描作品多半是铅笔绘制，这点也反映了铅笔这一工具在素描中的地位。而其它如碳精条、自动铅笔、6H的铅笔等都是很多“高手”的独门绝招，不是本次讨论的重点。

3.大师作品和考前素描的差异

大师的作品有很强烈的个性特征和风格表现在里面，他们的作品往往具有极强的时代特色。比如印象派画家修拉的素描，他的画面中只有朦胧的灰调，这对于某些没有良好基础的人来说会显得很难理解，因为这里面没有老师说的“线条”，没有明确的形体关系，于是他们会照样画葫芦一样的描出来，却不知画面里只考虑并夸张了光线这一基本元素。当然，也有一些大师的素描比较适合绝大多数学生，如德加、荷尔拜英、丢勒等，德加有很多舞女画的非常随意而不失结构，似乎是几笔勾勒的事情;而荷尔拜英的绝大多数素描是完全值得临摹的，因为他的用线几乎可以奉为经典;丢勒的明暗布局和严谨的画风也可以让人收益匪浅.但我们同样看到有些大师极有可能会成为学生偷懒的对象，比如罗丹的速写，临摹他的绘画是需要有丰富的视觉经验和鉴赏能力为前提的，这对很多考前学生来说不合适。还有些大师，如希勒，他们的画介乎具象和抽象之间，又有很多个性语言包含其中，需要取舍。

那么大师的作品真的可以奉为经典吗？他们的作品和我们现行美术高考教育中要求的绘画作品有什么不一样的地方？这个差距可以弥补么？显然，答案是肯定的。

有很多学生，包括很多老师，会把大师的作品和现在很多书店里能买到的考前类绘画泾渭分明的区分开，可想而知，这样做的后果就是学生从一开始只知道市面上的畅销考前书上的人名，对古典大师一无所知。于是学生从一开始的读画起点就和最终要领悟的内容之间产生巨大差异。不可否认的是现行市面上确实已经有很多通过讲解古典大师作品来为考生参考的书籍，但往往对考生没有直接效果，考生因为一开始接触到的“首映效应”告诉他们，这些道理离他们几个月后的考试太远，无法直接纳为我用，还是直接临摹优秀考卷比较好。在这样的思想下，美术高考终于让许多人越走越窄。其实，真正聪明的学生自己会发现自己的不足之处，在以考试目标不变的情况下，会通过寻找“大师”和“大师”对话来解除困惑。比如，对一部分长时间临摹速写作业的学生来讲，他们试图通过大量的速写来提高自己的熟练感，但是往往适得其反，真正面对模特的时候，该犯的错误照犯不误，而且致命的是把画画的过分“概念化”。这时候如果拿起笔临摹品味一下大师笔下灵动而富有人文关怀的画面，不失为一种重新找回自我的过程。而不同的学生可能会有不同的选择对象，结构不明确的会选择丢勒安格尔，不够深入而“匠气十足”的则可以选择列宾的速写，每个大师都是针对不同种类患者的良药。4.速写和素描的有意混淆

速写完全可以当成素描来对待，他们除了名字不一样，实质上完全一样。

速写为何被无数人误解是因为一个“速”字，而好的速写完全可以画上几天，所以练习速写就是练习素描。正规的素描是把大纸贴在画板上，然后一笔一笔地打形上调子，一系列的过程是有板有眼的“标准态度”。速写与其相比就显得太潇洒了，它可以把一块木板往腋下一夹，走到哪画到哪，可谓真正的心随笔动，在表现方式上随意，无拘无束，求感性和第一印象，于是鲜活的形象跃然而出。这些良好的品质在很多素描作业上难觅踪影，试想如果把这两者结合在一起，效果就达到了互补的统一，势必会让一幅无生气的素描变得灵动，让随意至随便的速写变得富有内涵。

这方面值得参考的如荷兰画家伦勃朗，他最为世人称道的是“光”，他的素描亦是如此。素描为绘画而作，却绝不是油画的草稿。于是乎，我们可以看到艺术家头脑中赋予对象以独特的光线，随之而来的线条便显得伸缩自如，充满调性的律动。他的很多场景速写或者素描完全可以变成一幅独立的作品。再如法国的巴尔丢斯，他用极为传统的素描方法来描绘人体和头像，其线条优美流转，光影扑朔迷离，丰富多变的构成、悠扬深远的气韵，带我们去品味他的高雅和质朴。而这些往往不是如我们之前对速写和素描概念的有意分离后而所能达到的效果。

速写的存在是为创作寻找生路，而从更广大的范围来说，它还是维持艺术生命的重要手段。

结束语

美术素描教学反思 第8篇

一、教师方面

(1) 教师要帮助学生打好理论基础。理论知识是学好一切的必要前提, 理论知识虽然枯燥, 但它是前人的经验和感悟的总结, 是学好一门技能的精髓和基础。没有理论知识作为引导, 我们在学习任何技能的时候都要耗费很长的时间, 走好多弯路, 才能到达目的。作为老师, 就是要正确对学生进行引导, 用绘画各方面的理论知识和审美法则去充实他们的头脑。而作为素描头像教学来说就要首先让学生了解和掌握人体头部骨骼解剖结构和一定的运动规律, 在素描时能够很快地深入画面。

(2) 引导学生欣赏和感受大师的素描头像作品。素描是学习绘画的基础, 一幅好的素描作品本身就是一件独立的艺术品。由于它使用的工具较为简便, 又是在较短的时间内完成的, 因此往往比经过很多加工的绘画作品更直接地传达作者瞬间的灵感和激情, 摄取所画对象的生动气韵。从文艺复兴时期到二十世纪欧洲名画家的素描作品中, 能得到在其他画作中不易领略到的那种直觉的艺术感受。这些画家都是素负盛誉的大艺术家, 并在素描上有深厚功力。这些作品不论是工整细致的, 还是粗放简略的, 都显示了画家敏锐的观察力和纯熟的技巧, 在艺术风格上也各有自己的特色。学习和从事绘画艺术的读者若用心揣摩, 定会从中得到启发。

(3) 发挥教师的影响力和艺术魅力。职业学校的学生大部分是由初中直接进入职高或者中专学习的, 也就是说他们没有脱离学校教育的天空, 思想比较单纯、生活阅历比较简单。由于涉世不深和艺术修养达不到一定的高度, 对于优秀的素描头像作品也只能是“随便看看”, 根本上升不到理论的高度。这就要求教师用正确的方法去引导他们, 发挥教师的影响力和人格魅力 (许多学生对老师都存在着崇拜的心理) 。在教学过程中, 用生动形象的语言讲解画法的同时, 结合所讲内容选择恰当的素描内容, 把它画出来, 展现在学生面前。我认为, 通过教师潜移默化的影响, 学生可以亲身体会教师作画的每一个细节:构图、比例、画面处理、技法等。

(4) 引导学生注重整体观察和思考, 养成动手必动脑的习惯。在头部素描绘画中, 对所画对象进行整体的认真观察和研究是非常有必要的。因为人物的头部是整个人物造型的重要部位, 它集中反映了人物的性格特征和精神面貌, 也是人物丰富内心世界的一个外在表现, 是塑造人物的关键所在。马蒂斯说:“没有整体的形, 细节画得再好、再出色也毫无价值。”著名画家达·芬奇的“画蛋练功”也充分说明了这一点。在绘画之前, 要对所描画的人物进行细致观察和思考, 准确地把握人物头部的形体特征和动态变化, 要重视对人物的表情与神态的刻画, 重点应注意表现眉部、眼部、嘴部和鼻翼的变化。教师在教学过程中, 要让学生能客观地描绘出老年人与年轻人、男人和女人、大人与小孩结构特征的不同, 准确地抓住人物的整体形象特征。

(5) 因材施教, 做好个别指导。针对美术素描头像教学的特殊性, 教师做好单一教学:针对不同的素描作业和学生的不同程度以及个性特点加以指导, 推荐不同的大师力作给每位同学, 力争他们都能找到适合自己的素描风格;指导好不同学生之间的作业交流 (小组内评或者互评, 再由教师给予建议或意见) 。

二、学生方面

(1) 培养自己的素描兴趣和持之以恒的精神。教育家孔子说过:“知之者不如好之者, 好之者不如乐之者。”兴趣是最好的老师, 是学习和研究一切问题的首要前提。素描是一项艰苦的工作, 素描头像的学习是一个长期积累的过程, 不能一蹴而就。很多初学者凭着一时的冲动去学习它, 是无论如何也坚持不到最后的, 也很难取得什么成绩。因此, 只有对美术素描具备了很浓厚的兴趣和持之以恒的精神, 才能学好素描头像这一个看似简单却又很枯燥的工作。

(2) 临摹大师的作品。有好多同学认为, 临摹就是把大师名家的作品能够依样搬到自己的画纸上, 就是学会了素描。其实不是这样的, 素描中的临摹不是“比葫芦画瓢”, 画出的人物头像要表达出人物丰富的内心世界和情感, 正所谓“形神兼备”即是如此。临摹大师的作品, 能够学习大师的高超的技法和精湛的技艺, 能够体会他们塑造人物形象的生动性和绘画中体现的优良传统, 更能够加深学生对素描艺术的理解。德拉克洛瓦说过:“临摹可以使有才能的人早日步入艺术的殿堂。”

(3) 学生要多练习, 熟能生巧。平时练习量, 对于素描能力的提高是不可回避的一条路。有些学生总是说学业重没时间画, 但是你可以想一下, 你每天在学校有几堂课?如果可以在每个课间休息时挤出两三分钟画一张, 积累起来将是多么可观的数量。如能长期坚持, 我相信在比赛或者考试时, 你的素描一定可以取得非常好的成绩。因为正是经过了大量练习的过程, 学生才能深刻体会理论知识的重要性, 才能深入地认识素描头像方法和技巧。

(4) 在素描头像练习和作业中投入自己的情感。人物头像素描所表现的是有生命、有感情的人物形象, 所以学生在创作过程中需要将积极的感受投入进去, 这样才能充满激情地进行创作, 表现出来的人物形象才能更加丰满、生动, 更富有视觉冲击力, 能够给观赏者留下深刻的印象。

素描人物头像教学是一项长期的工作, 需要美术教育工作者认真地探索更好的、更合理的教学方法。要引导学生不能做自然的奴隶, 物像的镜子, 而是要眼手脑协调统一, 积极主动地去表现对象, 这样才能学好素描头像, 提高自己美术才能。